Glen Loates a passé sa vie à observer la nature d’une manière particulière — le genre d’observation qui exige de rester immobile assez longtemps pour que l’animal oublie votre présence, ou de passer un après-midi avec une peau d’oiseau de la collection du musée jusqu’à ce que le poids et la proportion de la créature ne soient plus quelque chose que vous regardez, mais quelque chose que vous connaissez tout simplement.
Il n’avait jamais fréquenté d’école d’art. Il n’en fréquenterait jamais.
Né à Toronto en 1945, Loates a grandi dans les ravins de Willowdale, dessinant des insectes, des oiseaux et des mammifères le long de la rivière Don. À sept ans, il réalisait ses premiers portraits d’animaux au zoo de Riverdale. À treize ans, il faisait le long trajet jusqu’au centre-ville pour se rendre au Musée Royal de l’Ontario tous les quelques mois, soulevant tiroir après tiroir de collections de spécimens sous les couvercles noirs opaques, remplissant des carnets de croquis avec les formes précises de créatures que la plupart des gens n’observent jamais de près. À treize ans déjà, il faisait ce qu’il ferait le reste de sa vie.
À onze ans, il avait conçu le logo de la jonquille de la Société canadienne du cancer — utilisé par l’organisation pendant plusieurs décennies. Mais le moment qui a défini sa direction est survenu quand il avait dix ans, et qu’un peintre canadien vétéran nommé Fred Brigden est venu parler à son école. Après la conférence, Loates l’a approché avec une pile de dessins. Brigden les a triés en deux groupes — les dessins animés de Disney d’un côté, les études de la nature de l’autre. Il a montré les dessins de la nature et a dit : « C’est là que tu devrais aller. Ce papillon — il est beau parce qu’il vient de ton expérience personnelle et de tes propres sentiments à son égard. »
Brigden est devenu le seul véritable professeur que Loates ait jamais eu. Il est décédé moins d’un an après leur rencontre. Loates a dit plus tard : « La seule façon de montrer ma gratitude est de faire ce que je fais maintenant. »
C’était un choix fait pour lui. Comme Loates l’a dit lui-même : ce n’est pas une carrière — c’est une vocation.
Glen Loates a passé sa vie à observer la nature d’une manière particulière — le genre d’observation qui exige de rester immobile assez longtemps pour que l’animal oublie votre présence, ou de passer un après-midi avec une peau d’oiseau de la collection du musée jusqu’à ce que le poids et la proportion de la créature ne soient plus quelque chose que vous regardez, mais quelque chose que vous connaissez tout simplement.
Il n’avait jamais fréquenté d’école d’art. Il n’en fréquenterait jamais.
Né à Toronto en 1945, Loates a grandi dans les ravins de Willowdale, dessinant des insectes, des oiseaux et des mammifères le long de la rivière Don. À sept ans, il réalisait ses premiers portraits d’animaux au zoo de Riverdale. À treize ans, il faisait le long trajet jusqu’au centre-ville pour se rendre au Musée Royal de l’Ontario tous les quelques mois, soulevant tiroir après tiroir de collections de spécimens sous les couvercles noirs opaques, remplissant des carnets de croquis avec les formes précises de créatures que la plupart des gens n’observent jamais de près. À treize ans déjà, il faisait ce qu’il ferait le reste de sa vie.
À onze ans, il avait conçu le logo de la jonquille de la Société canadienne du cancer — utilisé par l’organisation pendant plusieurs décennies. Mais le moment qui a défini sa direction est survenu quand il avait dix ans, et qu’un peintre canadien vétéran nommé Fred Brigden est venu parler à son école. Après la conférence, Loates l’a approché avec une pile de dessins. Brigden les a triés en deux groupes — les dessins animés de Disney d’un côté, les études de la nature de l’autre. Il a montré les dessins de la nature et a dit : « C’est là que tu devrais aller. Ce papillon — il est beau parce qu’il vient de ton expérience personnelle et de tes propres sentiments à son égard. »
Brigden est devenu le seul véritable professeur que Loates ait jamais eu. Il est décédé moins d’un an après leur rencontre. Loates a dit plus tard : « La seule façon de montrer ma gratitude est de faire ce que je fais maintenant. »
C’était un choix fait pour lui. Comme Loates l’a dit lui-même : ce n’est pas une carrière — c’est une vocation.
La précision du travail de Loates n'est pas un choix stylistique. C'est le produit d'une pratique entièrement basée sur des sources primaires. Il ne travaille pas à partir de photographies. Il réalise jusqu'à quarante-cinq croquis au crayon d'un même animal avant de le peindre. Il travaille à partir de peaux d'oiseaux et de fourrures d'animaux empruntées au Royal Ontario Museum – la même institution qu'il a visitée enfant – pour obtenir le poids et la proportion exacts de chaque créature.
Il commence chaque tableau par l'œil, en travaillant vers l'extérieur. Les arrière-plans sont peints en dernier.
La technique elle-même est entièrement de son invention – aquarelle, encre de Chine et encre de Chine blanche appliquées avec un pinceau spécialement pointu, une méthode développée au fil des années d'expérimentation pour rendre les textures précises de la fourrure, de la plume et du muscle qu'aucune approche conventionnelle n'aurait pu réaliser. Elle n'a jamais été enseignée nulle part. Il l'a développée lui-même.
En décembre 1982, Loates s'est envolé pour Washington avec son aquarelle grandeur nature d'un pygargue à tête blanche – sept mois de travail, peinte pour marquer le 200e anniversaire de la désignation de l'aigle comme symbole national de l'Amérique. Dans le Bureau ovale, accompagné de l'ambassadeur du Canada Allan Gotlieb, il l'a présentée personnellement au président
Ronald Reagan comme un cadeau du peuple canadien au peuple des États-Unis. Reagan l'a qualifiée de « représentation époustouflante du symbole de l'Amérique ». Lorsqu'il n'est pas exposé à la Maison Blanche, Le Pygargue à tête blanche est visible au Smithsonian Institution. Les originaux de Loates ont également été présentés à Son Altesse Royale le Prince Philip, duc d'Édimbourg, et au Premier ministre Pierre Elliott Trudeau.
En 1986, Loates a été invité à rejoindre l'expédition du Projet Beebe au large des côtes des Bermudes – descendant dans les submersibles Johnson Sea Link et Pisces VI à des profondeurs d'un mille et demi, devenant le premier
artiste au monde à observer et à documenter la vie océanique à cette profondeur. Organisée par le photographe de la National Geographic Society Emory Kristof, et rendue possible en partie grâce à son ami de longue date, le Dr Joseph MacInnis, médecin et scientifique marin canadien, l'expédition a ouvert un tout nouveau champ de sujets, de composition et de palette de couleurs qui continue d'influencer son travail.
Tout au long de sa carrière, Loates a travaillé aux côtés des autorités de conservation de la faune sauvage à travers le Canada, consacrant un temps soutenu à la recherche scientifique en tant que naturaliste autant qu'en tant qu'artiste.
Son travail a touché des lecteurs dans treize langues. Il a été exposé au Royal Ontario Museum, au British Museum, au Alexander Koenig Museum de Bonn, au Centre Culturel de Paris, à l'Institut de Recherche Zoologique et à la McMichael Canadian Collection. Il a paru dans GEO, Reader's Digest, Time, et des publications à travers l'Amérique du Nord et l'Europe. Trois volumes majeurs documentent sa carrière : The Art of Glen Loates (1977) – la collection la plus vendue de tout artiste canadien vivant au moment de la publication – Birds of North America (1979) et A Brush with Life (1984). La Monnaie royale canadienne reproduit son imagerie sur des pièces de collection. Il a reçu des commandes de l'Audubon Society of America, de la National Geographic Society, d'Equinox, de GEO et de l'Explorers Club. Il continue à produire des œuvres pour des collectionneurs privés et corporatifs du monde entier.
La précision du travail de Loates n'est pas un choix stylistique. C'est le produit d'une pratique entièrement basée sur des sources primaires. Il ne travaille pas à partir de photographies. Il réalise jusqu'à quarante-cinq croquis au crayon d'un même animal avant de le peindre. Il travaille à partir de peaux d'oiseaux et de fourrures d'animaux empruntées au Royal Ontario Museum – la même institution qu'il a visitée enfant – pour obtenir le poids et la proportion exacts de chaque créature.
Il commence chaque tableau par l'œil, en travaillant vers l'extérieur. Les arrière-plans sont peints en dernier.
La technique elle-même est entièrement de son invention – aquarelle, encre de Chine et encre de Chine blanche appliquées avec un pinceau spécialement pointu, une méthode développée au fil des années d'expérimentation pour rendre les textures précises de la fourrure, de la plume et du muscle qu'aucune approche conventionnelle n'aurait pu réaliser. Elle n'a jamais été enseignée nulle part. Il l'a développée lui-même.
En décembre 1982, Loates s'est envolé pour Washington avec son aquarelle grandeur nature d'un pygargue à tête blanche – sept mois de travail, peinte pour marquer le 200e anniversaire de la désignation de l'aigle comme symbole national de l'Amérique. Dans le Bureau ovale, accompagné de l'ambassadeur du Canada Allan Gotlieb, il l'a présentée personnellement au président
Ronald Reagan comme un cadeau du peuple canadien au peuple des États-Unis. Reagan l'a qualifiée de « représentation époustouflante du symbole de l'Amérique ». Lorsqu'il n'est pas exposé à la Maison Blanche, Le Pygargue à tête blanche est visible au Smithsonian Institution. Les originaux de Loates ont également été présentés à Son Altesse Royale le Prince Philip, duc d'Édimbourg, et au Premier ministre Pierre Elliott Trudeau.
En 1986, Loates a été invité à rejoindre l'expédition du Projet Beebe au large des côtes des Bermudes – descendant dans les submersibles Johnson Sea Link et Pisces VI à des profondeurs d'un mille et demi, devenant le premier
artiste au monde à observer et à documenter la vie océanique à cette profondeur. Organisée par le photographe de la National Geographic Society Emory Kristof, et rendue possible en partie grâce à son ami de longue date, le Dr Joseph MacInnis, médecin et scientifique marin canadien, l'expédition a ouvert un tout nouveau champ de sujets, de composition et de palette de couleurs qui continue d'influencer son travail.
Tout au long de sa carrière, Loates a travaillé aux côtés des autorités de conservation de la faune sauvage à travers le Canada, consacrant un temps soutenu à la recherche scientifique en tant que naturaliste autant qu'en tant qu'artiste.
Son travail a touché des lecteurs dans treize langues. Il a été exposé au Royal Ontario Museum, au British Museum, au Alexander Koenig Museum de Bonn, au Centre Culturel de Paris, à l'Institut de Recherche Zoologique et à la McMichael Canadian Collection. Il a paru dans GEO, Reader's Digest, Time, et des publications à travers l'Amérique du Nord et l'Europe. Trois volumes majeurs documentent sa carrière : The Art of Glen Loates (1977) – la collection la plus vendue de tout artiste canadien vivant au moment de la publication – Birds of North America (1979) et A Brush with Life (1984). La Monnaie royale canadienne reproduit son imagerie sur des pièces de collection. Il a reçu des commandes de l'Audubon Society of America, de la National Geographic Society, d'Equinox, de GEO et de l'Explorers Club. Il continue à produire des œuvres pour des collectionneurs privés et corporatifs du monde entier.
Lorsque l'on se réfère à la qualité exquise d'une œuvre d'art, la définition habituelle de cet adjectif surutilisé vient à l'esprit : magnifiquement réalisé ou conçu. Appliquer ce terme descriptif aux aquarelles de Martin Glen Loates est presque une nécessité pour transmettre adéquatement le degré d'appréciation que son travail suscite. Cependant, le mot « exquis » lui-même dérive du latin exquisitus, choisi, exquis, du participe passé d’exquirere, rechercher. C'est cette nuance du mot exquis qui rend l'adjectif singulièrement approprié dans un sens plus ésotérique au travail de Loates. Il a recherché et choisi la subtile gradation de couleur, le rythme élégant dans la forme et la ligne, l'insaisissable dans l'humeur. Son Colibri à gorge rubis, aussi léger que les fleurs de colombine pendantes qui l'attirent, fait partie de l'aura d'une journée d'été, et plus encore : il communique cet éclat propre, verdoyant et coloré qui caractérise une journée d'été. L'artiste a réussi à illustrer, puis à évoquer, puis à inviter, enfin à captiver.
La marmotte commune de Loates, peut-être la pièce de résistance de l'exposition, a ramené cette critique dans le passé. Dans l'enfance, nous nous allongions sur le ventre dans le trèfle d'été, et une délicieuse sensation de fraîcheur, de verdure et d'herbe fraîchement coupée, liée à ce passe-temps délicieusement paresseux, nous a immédiatement envahis en voyant ce compagnon brun et poilu debout dans l'herbe, ses pattes avant noires agrippant une feuille croustillante. De nombreux visiteurs de l'exposition ont commenté la fourrure – riche, épaisse, parfaitement rendue, brun doré sur les épaules, grisée depuis son nez à moustaches, et formant un tourbillon facilement reconnaissable le long du centre de l'abdomen. En passant la main sur ce ventre doux, on apprécierait ces motifs délicats de duvet de chardon. L'art, le bon art, encourage le spectateur à imaginer des possibilités tactiles. (La probabilité que la marmotte permette une telle familiarité appartient à une autre discussion.) Certains zoologistes ont commenté que les peintures de mammifères de Loates figurent parmi les meilleures qu'ils aient jamais vues. L'une des meilleures choses à propos de sa façon de représenter les mammifères, d'ailleurs, est sa capacité astucieuse à éviter le "mignon". Pour ce faire, il faut très bien connaître l'animal, le peindre avec précision, en lui accordant la dignité de ses activités habituelles, comme se tenir dans un carré d'herbe en mangeant une feuille, plutôt que de représenter une pose fantasque plus séduisante et moins caractéristique. Le dessin au crayon de Loates d'une Gélinotte huppée montre cet oiseau gibier dans son moment le plus dramatique : ses plumes du cou relevées en collier autour de sa tête, sa queue dressée comme celle d'un dindon, son air admirablement autoritaire et menaçant alors qu'il monte sur son billot de tambourinage. Loates utilise bien le crayon doux et prouve que le noir et blanc peut être plus coloré que la couleur. Le défi dans ce médium est d'utiliser l'ombre, la lumière, la grossièreté, la délicatesse et la rugosité dans une sorte d'orchestration qui satisfait si sensuellement que la couleur serait redondante. Dans le centre de New York, les Orioles du Nord (de Baltimore) arrivent généralement début mai. Glen Loates a peint un couple de ces oiseaux familiers, connus pour leur savoir-faire en matière de construction de nids. Perchés à leur nid pendant dans les branches tombantes d'un arbre, le couple est pris au milieu d'une activité intense – la construction du nid. Plus tard, ils chercheront leur nourriture près du sol et sur de riches touffes de fougère odorante. Le dessous du mâle est d'un orange vif, virant à l'ocre juste sous le croupion. La femelle porte des couleurs plus sobres, ses parties supérieures jaune olive n'étant pas aussi élégamment excitantes que les parties supérieures noires et nettes de son compagnon. Mélodieux décrit l'interaction des couleurs et des tons dans cette aquarelle : De pâles, pâles feuilles vertes se tordent pour nous donner des ombres vertes plus profondes. Nous sommes captivés par l'orange vibrant du mâle, nous passons à l'incroyable complexité du nid gris doux qui occupe le centre du tableau, nous lisons la femelle comme un accent plus sobre dans son vert olive et son orange terne. Une chenille, destinée plus tard à être le repas d'un oriole, a fait un travail aléatoire sur les feuilles de cette branche pendante. Ces trous sont soigneusement observés, délimités aussi minutieusement que les couvertures des ailes des oiseaux, et traités comme des éléments importants dans la conception totale. Le fond blanc du tableau est mis à profit par les feuilles lacées, non par accident mais par une manipulation consciente des espaces négatifs. Les bons designers peuvent devenir de grands artistes ; les grands artistes sont toujours de bons designers. Sans entrer dans plus de détails, l'exposition de Loates comprend une très petite peinture d'une Oie des neiges en train d'atterrir ; il y a une ombre dans la nuance la plus douce de gris, projetée par son cou fort contre les muscles pectoraux tendus alors qu'elle descend pour atterrir, ce qui est typique de l'observation méticuleuse et de la compétence technique de Loates. L'effet de l'ombre grise est évanescent. Il n'est pas facile d'utiliser l'aquarelle de cette manière. D'autres sujets inclus dans l'exposition étaient un couguar, un orignal, un raton laveur, un renard roux, un lynx, un campagnol des champs, des papillons de deuil et soufre jaune, un papillon lune, un iris des marais et d'autres êtres vivants, démontrant la remarquable polyvalence de Glen Loates.
Lorsque l'on se réfère à la qualité exquise d'une œuvre d'art, la définition habituelle de cet adjectif surutilisé vient à l'esprit : magnifiquement réalisé ou conçu. Appliquer ce terme descriptif aux aquarelles de Martin Glen Loates est presque une nécessité pour transmettre adéquatement le degré d'appréciation que son travail suscite. Cependant, le mot « exquis » lui-même dérive du latin exquisitus, choisi, exquis, du participe passé d’exquirere, rechercher. C'est cette nuance du mot exquis qui rend l'adjectif singulièrement approprié dans un sens plus ésotérique au travail de Loates. Il a recherché et choisi la subtile gradation de couleur, le rythme élégant dans la forme et la ligne, l'insaisissable dans l'humeur. Son Colibri à gorge rubis, aussi léger que les fleurs de colombine pendantes qui l'attirent, fait partie de l'aura d'une journée d'été, et plus encore : il communique cet éclat propre, verdoyant et coloré qui caractérise une journée d'été. L'artiste a réussi à illustrer, puis à évoquer, puis à inviter, enfin à captiver.
La marmotte commune de Loates, peut-être la pièce de résistance de l'exposition, a ramené cette critique dans le passé. Dans l'enfance, nous nous allongions sur le ventre dans le trèfle d'été, et une délicieuse sensation de fraîcheur, de verdure et d'herbe fraîchement coupée, liée à ce passe-temps délicieusement paresseux, nous a immédiatement envahis en voyant ce compagnon brun et poilu debout dans l'herbe, ses pattes avant noires agrippant une feuille croustillante. De nombreux visiteurs de l'exposition ont commenté la fourrure – riche, épaisse, parfaitement rendue, brun doré sur les épaules, grisée depuis son nez à moustaches, et formant un tourbillon facilement reconnaissable le long du centre de l'abdomen. En passant la main sur ce ventre doux, on apprécierait ces motifs délicats de duvet de chardon. L'art, le bon art, encourage le spectateur à imaginer des possibilités tactiles. (La probabilité que la marmotte permette une telle familiarité appartient à une autre discussion.) Certains zoologistes ont commenté que les peintures de mammifères de Loates figurent parmi les meilleures qu'ils aient jamais vues. L'une des meilleures choses à propos de sa façon de représenter les mammifères, d'ailleurs, est sa capacité astucieuse à éviter le "mignon". Pour ce faire, il faut très bien connaître l'animal, le peindre avec précision, en lui accordant la dignité de ses activités habituelles, comme se tenir dans un carré d'herbe en mangeant une feuille, plutôt que de représenter une pose fantasque plus séduisante et moins caractéristique. Le dessin au crayon de Loates d'une Gélinotte huppée montre cet oiseau gibier dans son moment le plus dramatique : ses plumes du cou relevées en collier autour de sa tête, sa queue dressée comme celle d'un dindon, son air admirablement autoritaire et menaçant alors qu'il monte sur son billot de tambourinage. Loates utilise bien le crayon doux et prouve que le noir et blanc peut être plus coloré que la couleur. Le défi dans ce médium est d'utiliser l'ombre, la lumière, la grossièreté, la délicatesse et la rugosité dans une sorte d'orchestration qui satisfait si sensuellement que la couleur serait redondante. Dans le centre de New York, les Orioles du Nord (de Baltimore) arrivent généralement début mai. Glen Loates a peint un couple de ces oiseaux familiers, connus pour leur savoir-faire en matière de construction de nids. Perchés à leur nid pendant dans les branches tombantes d'un arbre, le couple est pris au milieu d'une activité intense – la construction du nid. Plus tard, ils chercheront leur nourriture près du sol et sur de riches touffes de fougère odorante. Le dessous du mâle est d'un orange vif, virant à l'ocre juste sous le croupion. La femelle porte des couleurs plus sobres, ses parties supérieures jaune olive n'étant pas aussi élégamment excitantes que les parties supérieures noires et nettes de son compagnon. Mélodieux décrit l'interaction des couleurs et des tons dans cette aquarelle : De pâles, pâles feuilles vertes se tordent pour nous donner des ombres vertes plus profondes. Nous sommes captivés par l'orange vibrant du mâle, nous passons à l'incroyable complexité du nid gris doux qui occupe le centre du tableau, nous lisons la femelle comme un accent plus sobre dans son vert olive et son orange terne. Une chenille, destinée plus tard à être le repas d'un oriole, a fait un travail aléatoire sur les feuilles de cette branche pendante. Ces trous sont soigneusement observés, délimités aussi minutieusement que les couvertures des ailes des oiseaux, et traités comme des éléments importants dans la conception totale. Le fond blanc du tableau est mis à profit par les feuilles lacées, non par accident mais par une manipulation consciente des espaces négatifs. Les bons designers peuvent devenir de grands artistes ; les grands artistes sont toujours de bons designers. Sans entrer dans plus de détails, l'exposition de Loates comprend une très petite peinture d'une Oie des neiges en train d'atterrir ; il y a une ombre dans la nuance la plus douce de gris, projetée par son cou fort contre les muscles pectoraux tendus alors qu'elle descend pour atterrir, ce qui est typique de l'observation méticuleuse et de la compétence technique de Loates. L'effet de l'ombre grise est évanescent. Il n'est pas facile d'utiliser l'aquarelle de cette manière. D'autres sujets inclus dans l'exposition étaient un couguar, un orignal, un raton laveur, un renard roux, un lynx, un campagnol des champs, des papillons de deuil et soufre jaune, un papillon lune, un iris des marais et d'autres êtres vivants, démontrant la remarquable polyvalence de Glen Loates.
Le magazine Maclean's a un jour qualifié Loates de "peintre le plus austère de la nature". Les Line, alors rédacteur en chef d'Audubon Magazine — la voix la plus autoritaire en matière d'art animalier nord-américain — écrivait : "Il n'y a personne de meilleur dans cette catégorie élite que Martin Glen Loates. Le nom de Martin Glen Loates n'est pas aussi célèbre qu'il le devrait."
Et pourtant, certains critiques de l'époque trouvaient son œuvre trop précise, trop fidèle au spécimen — plus adaptée, suggéraient-ils, à un guide de terrain qu'à un mur de galerie.
Loates a abordé ce point directement dans sa propre déclaration d'artiste, et sa réponse était sans équivoque : "Les peintures animalières ne doivent pas être considérées comme de simples illustrations ou études ; elles sont plutôt de véritables créations artistiques."
Il n'était pas le seul à soutenir cet argument. Les grands maîtres de la Renaissance étaient animés par la même conviction — que pour vraiment voir une chose vivante, il faut d'abord vraiment la comprendre. Léonard a disséqué la forme humaine non pas en scientifique mais en peintre. Dürer a représenté un rhinocéros à partir d'une description écrite avec une telle fidélité que sa gravure sur bois est restée l'image européenne définitive de l'animal pendant deux siècles. La précision n'a jamais été la limitation. C'était la discipline d'où tout le reste découlait.
Ce que Loates a apporté à l'art animalier n'était pas simplement l'exactitude, mais une intégration complète de la connaissance scientifique et de la vision artistique. Comme il l'a écrit : "Le profane
devrait pouvoir regarder une bonne peinture animalière et se sentir surpris et excité, être convaincu de sa structure anatomique, et être capable d'acquérir une familiarité avec son habitat, ainsi qu'un amour pour le sujet lui-même."
Les critiques qui trouvaient son œuvre trop exacte pour être de l'art avaient tout faux. La question s'est largement réglée d'elle-même.
Le magazine Maclean's a un jour qualifié Loates de "peintre le plus austère de la nature". Les Line, alors rédacteur en chef d'Audubon Magazine — la voix la plus autoritaire en matière d'art animalier nord-américain — écrivait : "Il n'y a personne de meilleur dans cette catégorie élite que Martin Glen Loates. Le nom de Martin Glen Loates n'est pas aussi célèbre qu'il le devrait."
Et pourtant, certains critiques de l'époque trouvaient son œuvre trop précise, trop fidèle au spécimen — plus adaptée, suggéraient-ils, à un guide de terrain qu'à un mur de galerie.
Loates a abordé ce point directement dans sa propre déclaration d'artiste, et sa réponse était sans équivoque : "Les peintures animalières ne doivent pas être considérées comme de simples illustrations ou études ; elles sont plutôt de véritables créations artistiques."
Il n'était pas le seul à soutenir cet argument. Les grands maîtres de la Renaissance étaient animés par la même conviction — que pour vraiment voir une chose vivante, il faut d'abord vraiment la comprendre. Léonard a disséqué la forme humaine non pas en scientifique mais en peintre. Dürer a représenté un rhinocéros à partir d'une description écrite avec une telle fidélité que sa gravure sur bois est restée l'image européenne définitive de l'animal pendant deux siècles. La précision n'a jamais été la limitation. C'était la discipline d'où tout le reste découlait.
Ce que Loates a apporté à l'art animalier n'était pas simplement l'exactitude, mais une intégration complète de la connaissance scientifique et de la vision artistique. Comme il l'a écrit : "Le profane
devrait pouvoir regarder une bonne peinture animalière et se sentir surpris et excité, être convaincu de sa structure anatomique, et être capable d'acquérir une familiarité avec son habitat, ainsi qu'un amour pour le sujet lui-même."
Les critiques qui trouvaient son œuvre trop exacte pour être de l'art avaient tout faux. La question s'est largement réglée d'elle-même.
Mon père a maintenant quatre-vingts ans passés. Je réfléchis plus que de coutume à ce que cela signifie pour l'œuvre.
Il y a une comparaison à laquelle je reviens sans cesse : les grands forgerons japonais, les maîtres artisans de la tradition samouraï, qui apportaient à la forge de l'acier la même patience et la même précision que mon père apporte à un pinceau. C'est un art mourant au sens le plus littéral du terme : quand le maître disparaît, ce qu'il savait disparaît avec lui. Non pas parce que les techniques ne peuvent pas être écrites, mais parce que les techniques n'ont jamais été l'essentiel. L'essentiel était l'attention accumulée d'une vie — les décennies d'observation avant qu'une seule marque ne soit faite, et les décennies supplémentaires de création de marques jusqu'à ce que la main et l'œil deviennent une seule et même chose.
L'œuvre de Glen ne peut être imitée de manière significative. Ce n'est pas une vantardise, c'est un fait observable. Chaque plume de chaque oiseau est placée individuellement. Chaque brin de fourrure est rendu individuellement. Là où d'autres artistes — des artistes habiles — suggéreront un passage difficile avec un pinceau épais, ou dissoudront une forme complexe dans une brume atmosphérique, ou cacheront ce qu'ils ne veulent pas peindre derrière une branche opportunément placée, mon père peint ce qui est là. Il a toujours peint ce qui est là. La difficulté n'est pas une technique. C'est un trait de caractère.
Comme l'a observé Maclean's, il peint avec la patience de Saint François et la persistance d'un limier. On sait qu'il a passé trois jours avec de la viande jetée à un lynx juste pour étudier les contorsions faciales d'un animal au moment d'une attaque. Il peint ce qu'il voit, et non ce qu'il est commode de voir.
Quand Glen ne sera plus là, ce sera la fin. Il n'y en aura plus. Ce qui existe est ce qui existe — et cela a été fait par un homme qui n'a jamais pris de raccourci dans sa vie.
~ Michael Loates
La galerie Glen Loates
Mon père a maintenant quatre-vingts ans passés. Je réfléchis plus que de coutume à ce que cela signifie pour l'œuvre.
Il y a une comparaison à laquelle je reviens sans cesse : les grands forgerons japonais, les maîtres artisans de la tradition samouraï, qui apportaient à la forge de l'acier la même patience et la même précision que mon père apporte à un pinceau. C'est un art mourant au sens le plus littéral du terme : quand le maître disparaît, ce qu'il savait disparaît avec lui. Non pas parce que les techniques ne peuvent pas être écrites, mais parce que les techniques n'ont jamais été l'essentiel. L'essentiel était l'attention accumulée d'une vie — les décennies d'observation avant qu'une seule marque ne soit faite, et les décennies supplémentaires de création de marques jusqu'à ce que la main et l'œil deviennent une seule et même chose.
L'œuvre de Glen ne peut être imitée de manière significative. Ce n'est pas une vantardise, c'est un fait observable. Chaque plume de chaque oiseau est placée individuellement. Chaque brin de fourrure est rendu individuellement. Là où d'autres artistes — des artistes habiles — suggéreront un passage difficile avec un pinceau épais, ou dissoudront une forme complexe dans une brume atmosphérique, ou cacheront ce qu'ils ne veulent pas peindre derrière une branche opportunément placée, mon père peint ce qui est là. Il a toujours peint ce qui est là. La difficulté n'est pas une technique. C'est un trait de caractère.
Comme l'a observé Maclean's, il peint avec la patience de Saint François et la persistance d'un limier. On sait qu'il a passé trois jours avec de la viande jetée à un lynx juste pour étudier les contorsions faciales d'un animal au moment d'une attaque. Il peint ce qu'il voit, et non ce qu'il est commode de voir.
Quand Glen ne sera plus là, ce sera la fin. Il n'y en aura plus. Ce qui existe est ce qui existe — et cela a été fait par un homme qui n'a jamais pris de raccourci dans sa vie.
~ Michael Loates
La galerie Glen Loates
Les œuvres de Loates apparaissent de temps à autre aux enchères — des pièces provenant de collections privées, de successions, d'héritages. Nous suivons attentivement ces ventes. Ce que nous constatons, de manière constante, c'est que des œuvres significatives se vendent à une fraction de leur valeur — non pas parce que les acheteurs manquent de ressources, mais parce qu'ils manquent de contexte. Ils regardent une peinture animalière. Ils ne savent pas qu'ils regardent l'une des œuvres les plus importantes de l'histoire de l'art canadien, réalisée par un artiste dont la technique ne peut être reproduite et dont la carrière ne peut être prolongée.
Les maisons de vente aux enchères ne sont pas équipées pour raconter cette histoire. Leurs catalogueurs sont des généralistes. Les lots se succèdent rapidement. La provenance est notée, mais la signification n'est pas expliquée. Et ainsi, une œuvre qui mérite d'être comprise comme une acquisition sérieuse est traitée comme décorative, et son prix est fixé en conséquence.
Cette galerie existe, en partie, pour changer cela. Chaque page ici est une tentative de vous donner le contexte qu'un catalogue d'enchères ne vous donnera jamais — pour vous montrer non seulement à quoi ressemble une pièce, mais ce qu'il a fallu pour la créer, ce qu'elle signifie dans l'arc d'une carrière remarquable, et pourquoi elle ne sera pas refaite.
Un collectionneur averti n'est pas seulement un meilleur client. C'est un meilleur gardien de l'œuvre. C'est ce que nous sommes ici pour construire.
Si vous avez rencontré l'œuvre de Loates aux enchères ou par le biais d'une succession et que vous voulez comprendre ce que vous regardez, nous sommes là pour cette conversation.
~ Michael Loates
La Galerie Glen Loates
Les œuvres de Loates apparaissent de temps à autre aux enchères — des pièces provenant de collections privées, de successions, d'héritages. Nous suivons attentivement ces ventes. Ce que nous constatons, de manière constante, c'est que des œuvres significatives se vendent à une fraction de leur valeur — non pas parce que les acheteurs manquent de ressources, mais parce qu'ils manquent de contexte. Ils regardent une peinture animalière. Ils ne savent pas qu'ils regardent l'une des œuvres les plus importantes de l'histoire de l'art canadien, réalisée par un artiste dont la technique ne peut être reproduite et dont la carrière ne peut être prolongée.
Les maisons de vente aux enchères ne sont pas équipées pour raconter cette histoire. Leurs catalogueurs sont des généralistes. Les lots se succèdent rapidement. La provenance est notée, mais la signification n'est pas expliquée. Et ainsi, une œuvre qui mérite d'être comprise comme une acquisition sérieuse est traitée comme décorative, et son prix est fixé en conséquence.
Cette galerie existe, en partie, pour changer cela. Chaque page ici est une tentative de vous donner le contexte qu'un catalogue d'enchères ne vous donnera jamais — pour vous montrer non seulement à quoi ressemble une pièce, mais ce qu'il a fallu pour la créer, ce qu'elle signifie dans l'arc d'une carrière remarquable, et pourquoi elle ne sera pas refaite.
Un collectionneur averti n'est pas seulement un meilleur client. C'est un meilleur gardien de l'œuvre. C'est ce que nous sommes ici pour construire.
Si vous avez rencontré l'œuvre de Loates aux enchères ou par le biais d'une succession et que vous voulez comprendre ce que vous regardez, nous sommes là pour cette conversation.
~ Michael Loates
La Galerie Glen Loates
La Galerie Glen Loates est la source officielle et définitive des œuvres de Glen Loates R.C.A. — gérée par son fils Michael, qui supervise personnellement la collection et s'assure que chaque pièce respecte les normes d'archivage que le travail de Loates a toujours exigées.
Chaque pièce ici est produite selon les normes muséales : matériaux d'archives, encres résistantes à la décoloration, encadrement de qualité galerie. Livraison partout dans le monde. Chaque acquisition est assortie de notre garantie de satisfaction complète.
Vous pouvez acheter de l'art animalier n'importe où. Vous ne pouvez posséder une œuvre de Glen Loates qu'ici.
——
« Si je peux partager avec le spectateur une partie du plaisir de ma propre expérience avec la nature,
j'aurai l'impression d'avoir accompli plus que ce que j'aurais pu espérer. »
~ Glen Loates R.C.A.
La Galerie Glen Loates est la source officielle et définitive des œuvres de Glen Loates R.C.A. — gérée par son fils Michael, qui supervise personnellement la collection et s'assure que chaque pièce respecte les normes d'archivage que le travail de Loates a toujours exigées.
Chaque pièce ici est produite selon les normes muséales : matériaux d'archives, encres résistantes à la décoloration, encadrement de qualité galerie. Livraison partout dans le monde. Chaque acquisition est assortie de notre garantie de satisfaction complète.
Vous pouvez acheter de l'art animalier n'importe où. Vous ne pouvez posséder une œuvre de Glen Loates qu'ici.
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« Si je peux partager avec le spectateur une partie du plaisir de ma propre expérience avec la nature,
j'aurai l'impression d'avoir accompli plus que ce que j'aurais pu espérer. »
~ Glen Loates R.C.A.
Un colibri à gorge rubis planant près d'une Ancolie du Canada — l'oiseau figé en plein vol stationnaire, la gorge irisée, le bec aligné avec le long éperon de la fleur d'ancolie. C'est le mutualisme parfait rendu visible : l'ancolie a développé son long éperon rouge spécifiquement pour le long bec du colibri, et le colibri a développé son vol stationnaire spécifiquement pour ce type d'alimentation. Glen a peint la relation avec la même précision que sa biologie.
L'Ancolie du Canada — Aquilegia canadensis — est représentée avec la même précision botanique que Glen a apportée à tous ses sujets de fleurs sauvages : les fleurs pendantes, l'éperon distinctif, les feuilles composées. Glen Loates est membre de l'Académie royale des arts du Canada ; ses compositions d'oiseaux et de botanique démontrent la double discipline naturaliste et artistique qui définit sa pratique.
Produit sous forme de giclée de qualité musée sur du papier d'archives sans acide, utilisant des encres résistantes à la décoloration. Une bordure blanche de 2,5 cm entoure l'image, prête pour l'encadreur de votre choix.
